2020.11.07 (토) – 2020.12.13 (일) | 부천아트뱅커 B39, 1F, 2F, 3F, 4F 2020.11.07 (토) – 2020.12.13 (일) | 부천아트뱅커 B39, 1F, 2F, 3F, 4F
디지털 아트 페스티벌 : PRECTXE 2020; Odyssey (오디오 비주얼 라이브 / 실험 라이브), Xplo- (전시회), 일렉트로 플로우 (전자) 디지털 아트 페스티벌 : PRECTXE 2020; Odyssey (오디오 비주얼 라이브 / 실험 라이브), Xplo- (전시회), 일렉트로 플로우 (전자)
PreCTXE 2020 아티스트 X-plo-line-up PreCTXE 2020 아티스트 X-plo-line-up
안태웅(KR) 안태웅(KR)
〈The Surface I, III〉 Mixed Media, dimension variable, 2020 작가 안태웅은 조각, 설치, 퍼포먼스, 영상, 혼합 매체 등 다양한 미디엄을 통해 인간, 사람의 신체에 대한 연구와 탐구로 새로운 예술적 가치를 만들어내는 작가다. 작가는 인간의 유한성을 신체가 가진 한계로 보고 그 한계를 물리적으로 뛰어넘을 수 있는 희망을 피부에서 찾는다. 이에 <The Surface>는 피부를 작가와 세계를 구분하는 물리적인 경계로 파악하고 이를 제거해 신체의 물리적인 확장을 꾀하고자 한 작업이다. 이를 위해 작가는 인체의 형상이 담긴 몰드를 만들고, 이를 안팎으로 뒤집어 몰드 자체를 오브제화시킨다. 이때 안팎이 뒤집힌 몰드를 통해 그 주위 공간은 본래 인체가 가지고 있던 형상으로 캐스팅되고, 이를 통해 한 인간이 담보한 신체의 내부와 외부의 구분은 사라지고 서로 하나가 된다. 자신을 둘러싼 세계가 자신의 형상에 캐스팅될 때, 과연 그 형상은 본인의 것인가, 세계의 것인가. 본인이면서 세계이기도 한, 본인과 세계를 더 이상 구분할 수 없는, 본인과 세계가 일치한 바로 그 순간에 비로소 우리의 신체는 그가 가진 물리적인 제약을 벗어나 자유를 획득할 기회를 얻는다. Artist Taeeun An creates new artistic values through various mediums, including sculpture, installation, performance, video and mixed media, by researching and exploring human bodies. She believes that the limitations of the human body are finite and finds hope from the skin that it can physically exceed. This work considers skin as a physical boundary separating the artist from the world, and attempts to physically expand the body by removing it. For this work, she creates a mold with human figures and turns it inside and out to make the mold itself an object. Through the upside-down mold, the space around them is cast into the shape originally possessed by the human body, indicating that the internal and external distinctions of the body secured by one person disappear and become one another. Artist questions when the world that surrounds her is cast into a certain shape, whether it is hers or the world we live in. In the end、 the answer she finds no longer distinguishes herself from the world, and defines the moment these two become one, our bodies would be free from physical constraints and gain freedom. 〈The Surface I, III〉 Mixed Media, dimension variable, 2020 작가 안태웅은 조각, 설치, 퍼포먼스, 영상, 혼합 매체 등 다양한 미디엄을 통해 인간, 사람의 신체에 대한 연구와 탐구로 새로운 예술적 가치를 만들어내는 작가다. 작가는 인간의 유한성을 신체가 가진 한계로 보고 그 한계를 물리적으로 뛰어넘을 수 있는 희망을 피부에서 찾는다. 이에 <The Surface>는 피부를 작가와 세계를 구분하는 물리적인 경계로 파악하고 이를 제거해 신체의 물리적인 확장을 꾀하고자 한 작업이다. 이를 위해 작가는 인체의 형상이 담긴 몰드를 만들고, 이를 안팎으로 뒤집어 몰드 자체를 오브제화시킨다. 이때 안팎이 뒤집힌 몰드를 통해 그 주위 공간은 본래 인체가 가지고 있던 형상으로 캐스팅되고, 이를 통해 한 인간이 담보한 신체의 내부와 외부의 구분은 사라지고 서로 하나가 된다. 자신을 둘러싼 세계가 자신의 형상에 캐스팅될 때, 과연 그 형상은 본인의 것인가, 세계의 것인가. 본인이면서 세계이기도 한, 본인과 세계를 더 이상 구분할 수 없는, 본인과 세계가 일치한 바로 그 순간에 비로소 우리의 신체는 그가 가진 물리적인 제약을 벗어나 자유를 획득할 기회를 얻는다. Artist Taeeun An creates new artistic values through various mediums, including sculpture, installation, performance, video and mixed media, by researching and exploring human bodies. She believes that the limitations of the human body are finite and finds hope from the skin that it can physically exceed. This work considers skin as a physical boundary separating the artist from the world, and attempts to physically expand the body by removing it. For this work, she creates a mold with human figures and turns it inside and out to make the mold itself an object. Through the upside-down mold, the space around them is cast into the shape originally possessed by the human body, indicating that the internal and external distinctions of the body secure
인기글
김병찬 Byungchan KIM (KR) 김병찬 Byungchan KIM (KR)
②〈mine field〉 Orange peels, dimension variable, 2017 김병찬은 주변에서 일어나는 흥미로운 에피소드와 작가가 직접 경험한 스토리를 기반으로 작업하는 아티스트다. 2000년대 초반 작가는 대중가요보다 더 정형화된 사회적 시스템에 저항했고, 자유롭고 솔직해 보였던 한국 힙합에 매료되었다. 현재 이들의 음악은 샘플링과 표절 사이를 아슬아슬하게 줄타기를 했고, 엉뚱하게도 게토(Getto)의 삶에 비유해 우리의 삶을 이야기하거나 돈, 여성, 럭셔리카라는 모습이 과연 그들이 말하는 한국의 리얼 힙합이 이런 모습이었을까 하는 생각이 들었다. 그 후 20년이 지난 현재, 작가는 ‘한국 힙합’을 오렌지인지 귤인지 모르는 이 달콤한 과일을 따기 위해 모이는 사람들을 보고, 이것이 어떤 바람과 햇빛을 받으며 자라왔고, 앞으로 또 어떤 냄새와 맛으로 변해갈지의 과정을 지켜보기로 한다. 제목인 mine/field는 625전쟁 때 minefield(지뢰)가 field of mine(나의 영역)으로 해석돼 대참사가 될 뻔했다는 일화에서 아이디어를 얻었다. 작가는 이러한 오역이 가져올 비참하고 두려운 것에 대한 두려움 혹은 반대로 새로운 가능성 사이에서 무엇을 어떻게 받아들여야 할지 더 궁금해하며, 20여 년 전 그들이 가져온 오렌지 씨앗이 대참사를 가져올지 새로운 가능성을 열어두는 열쇠로 작용하는지 지켜보기로 한다. Artist Byungchan Kim works on interesting episodes that happen around him and the stories he experiences himself. The work “Mine/field” goes back to the memories of the first CD he bought. In the early 2000s, he was fascinated by Korean hip-hop, which seemed cool and free in resisting a more oriented social system than pop songs, which were mostly filled with lyrics of love stories, and enjoyed it enough to memorize the lyrics of all the tracks on the album. At that time, there was a debate about what Korean hip-hop scenes were like in the U.S., but the musicians he admired often plagiarized music or talked about our lives in comparison to the life of Getto, the life of African American. Twenty years later, the boom of hip-hop has begun again in South Korea, Kim projected “Korean hip-hop” onto the orange seeds to see how it would change over time. Also, Kim’s “Mine/field” got the idea from an episode in which the minefield was interpreted as a field of mine during the Korean War, which almost caused a catastrophe. He says these mistranslations are beginning to wonder more about what and how to accept between the fears of a miserable and terrible thing, or vice versa, and whether the orange seeds they brought back more than two decades ago will bring about a catastrophe or new possibilities. 김재민 Gemini KIM (KR) ② <mine/field> 오렌지펠스, 디멘션 베리블, 2017 김병찬은 주변에서 일어나는 흥미로운 에피소드와 작가가 직접 경험한 스토리를 기반으로 작업하는 아티스트다. 2000년대 초반 작가는 대중가요보다 더 정형화된 사회적 시스템에 저항했고, 자유롭고 솔직해 보였던 한국 힙합에 매료되었다. 현재 이들의 음악은 샘플링과 표절 사이를 아슬아슬하게 줄타기를 했고, 엉뚱하게도 게토(Getto)의 삶에 비유해 우리의 삶을 이야기하거나 돈, 여성, 럭셔리카라는 모습이 과연 그들이 말하는 한국의 리얼 힙합이 이런 모습이었을까 하는 생각이 들었다. 그 후 20년이 지난 현재, 작가는 ‘한국 힙합’을 오렌지인지 귤인지 모르는 이 달콤한 과일을 따기 위해 모이는 사람들을 보고, 이것이 어떤 바람과 햇빛을 받으며 자라왔고, 앞으로 또 어떤 냄새와 맛으로 변해갈지의 과정을 지켜보기로 한다. 제목인 mine/field는 625전쟁 때 minefield(지뢰)가 field of mine(나의 영역)으로 해석돼 대참사가 될 뻔했다는 일화에서 아이디어를 얻었다. 작가는 이러한 오역이 가져올 비참하고 두려운 것에 대한 두려움 혹은 반대로 새로운 가능성 사이에서 무엇을 어떻게 받아들여야 할지 더 궁금해하며, 20여 년 전 그들이 가져온 오렌지 씨앗이 대참사를 가져올지 새로운 가능성을 열어두는 열쇠로 작용하는지 지켜보기로 한다. Artist Byungchan Kim works on interesting episodes that happen around him and the stories he experiences himself. The work “Mine/field” goes back to the memories of the first CD he bought. In the early 2000s, he was fascinated by Korean hip-hop, which seemed cool and free in resisting a more oriented social system than pop songs, which were mostly filled with l
①<The way of Ogeunse>One single video, 6’30’、2020<Ogeunse peaches> 67 peach jams and peach pickles, 6x6x6.5cm, 2020 김재민은 커뮤니티 활동을 기반으로 도시 및 특정 장소에 대한 연구를 예술로 풀어내는 아티스트다. 작가 작품 내러티브의 출발점은 특정 사건이나 장소성, 그리고 사람들의 일상과 그들의 심리적인 탐구에서 비롯되며, 이러한 예술적 연구는 아카이브 형태, 설치, 영상 등의 작업으로 풀어낸다. 작품 <오근세의 길>은 영화 <기생충>에 등장하는 가상 인물 ‘오근세’의 생가 주소지인 송내에서 현 주소지인 구로까지 경인로를 따라 부천을 가로질러 서울로 걷는 길에 대한 영상을 선보인다. 오근세를 추적하던 아티스트는 그가 15년간 거주했던 변두리로 여겨지던 곳이 영화 속 오근세의 본적지(출생지)에서 100여m 떨어진 것을 확인하고 그의 출생지와 작가의 옛 추억 속 친구인 복숭아밭을 찾는다. 거기서부터 그의 서울 진입 시도를 따라 부천을 넘어 구로구 대림동까지 동서로 잇는 길이 담겨 있다. 그는 추억의 친구로부터 선물을 받은 듯한 느낌을 살려 복숭아잼과 복숭아장아찌를 만들어 또 작품으로 선보인다. Artist Gemini Kim focuses on exploring cities and certain places based on community activities. The starting point of the narratives in his work begins with certain events or placements, and people’s daily lives and their psychological exploration, and these artistic studies unravel them into works of archive form, installation, video, etc. “The Way of Ogeunse” presents a video of the virtual character “Ogeunse” in the movie “Parasite” walking across Bucheon from Songnae to Guro, his current address. The artist finds out that the place where he lived for 15 years was about a hundred meters away from Ogeunse’s home town in the movie, so that Kim visits Ogeunse’s birthplace as well as his old friend’s peach garden form the artist’s old memories. The artist makes and displays peach jam and pickled peaches by himself, taking advantage of the feeling that he received as a gift from a friend of his memories.김재민이 Gemini KIM (KR) ①<The way of Ogeunse>One single video, 6’30’、2020<Ogeunse peaches> 67 peach jams and peach pickles, 6x6x6.5cm, 2020 김재민은 커뮤니티 활동을 기반으로 도시 및 특정 장소에 대한 연구를 예술로 풀어내는 아티스트다. 작가 작품 내러티브의 출발점은 특정 사건이나 장소성, 그리고 사람들의 일상과 그들의 심리적인 탐구에서 비롯되며, 이러한 예술적 연구는 아카이브 형태, 설치, 영상 등의 작업으로 풀어낸다. 작품 <오근세의 길>은 영화 <기생충>에 등장하는 가상 인물 ‘오근세’의 생가 주소지인 송내에서 현 주소지인 구로까지 경인로를 따라 부천을 가로질러 서울로 걷는 길에 대한 영상을 선보인다. 오근세를 추적하던 아티스트는 그가 15년간 거주했던 변두리로 여겨지던 곳이 영화 속 오근세의 본적지(출생지)에서 100여m 떨어진 것을 확인하고 그의 출생지와 작가의 옛 추억 속 친구인 복숭아밭을 찾는다. 거기서부터 그의 서울 진입 시도를 따라 부천을 넘어 구로구 대림동까지 동서로 잇는 길이 담겨 있다. 그는 추억의 친구로부터 선물을 받은 듯한 느낌을 살려 복숭아잼과 복숭아장아찌를 만들어 또 작품으로 선보인다. Artist Gemini Kim focuses on exploring cities and certain places based on community activities. The starting point of the narratives in his work begins with certain events or placements, and people’s daily lives and their psychological exploration, and these artistic studies unravel them into works of archive form, installation, video, etc. “The Way of Ogeunse” presents a video of the virtual character “Ogeunse” in the movie “Parasite” walking across Bucheon from Songnae to Guro, his current address. The artist finds out that the place where he lived for 15 years was about a hundred meters away from Ogeunse’s home town in the movie, so that Kim visits Ogeunse’s birthplace as well as his old friend’s peach garden form the artist’s old memories. The artist makes and displays peach jam and pickled peaches by himself, taking advantage of the feeling that he received as a gift from a friend of his memories.김재민이 Ge
②<My neighbor’s hair> 28 installation work, hairs, glycerine, wood, papers, plastic bag. 마이네이버샤르는 화장실 청소 프로젝트(Hotelier 2020)의 일환으로 욕실 수채혈에 모이는 머리카락을 기록한 작가의 청소 기록이다. 코로나19로 인해 집에 머물며 다양한 작업을 진행하던 작가는 다양한 프로젝트를 기획하던 중 화장실 청소를 기반으로 한 프로젝트를 기획하기로 한다. 4층 복도에 설치된 이 작품은 올해 6월부터 9월까지 작가가 수집한 머리카락을 이용한 작업으로 작품 옆에 수집된 날짜도 함께 전시돼 있다. It is one of the “Hotelier2020” projects, which is an artist’s “cleaning record” of hair gathering in a bathroom hole. The story is a project that began by arguing with the artist’s roommate about cleaning the bathroom, and the work using hair collected by the artist from June to September this year, and the date on which these were collected is also displayed next to the work.David Bowen 데이빗 보웬 (USA) ②<My neighbor’s hair> 28 installation work, hairs, glycerine, wood, papers, plastic bag. 마이네이버샤르는 화장실 청소 프로젝트(Hotelier 2020)의 일환으로 욕실 수채혈에 모이는 머리카락을 기록한 작가의 청소 기록이다. 코로나19로 인해 집에 머물며 다양한 작업을 진행하던 작가는 다양한 프로젝트를 기획하던 중 화장실 청소를 기반으로 한 프로젝트를 기획하기로 한다. 4층 복도에 설치된 이 작품은 올해 6월부터 9월까지 작가가 수집한 머리카락을 이용한 작업으로 작품 옆에 수집된 날짜도 함께 전시돼 있다. It is one of the “Hotelier2020” projects, which is an artist’s “cleaning record” of hair gathering in a bathroom hole. The story is a project that began by arguing with the artist’s roommate about cleaning the bathroom, and the work using hair collected by the artist from June to September this year, and the date on which these were collected is also displayed next to the work.David Bowen 데이빗 보웬 (USA)
<Tele-present wind> 126 dried plant stalks with mechanical devices, dimension variable, 2018 데이비드 보웬은 미국 출신 아티스트로, 주로 자연 현상의 실제 데이터에 따라 반응하는 장치적인 요소를 사용해 작품을 만들어내는 설치 아티스트다. 로봇공학, custom software, 센서, telepresence(원격인식시스템), 데이터로 물리적 세계와 가상 세계와의 인터페이스에 맞춰 움직이는 장치와 상황을 구성해 자연, 기계공학, 미학이 한 자리에 모인 완성도 높은 작품을 만들어낸다. <Tele-present wind>는 그룹핑된 126개의 틸팅 기계장치에 얇고 긴 식물의 줄기를 장착시켜 줄기가 바람에 의해 움직이는 모습을 나타낸다. 이 작품은 2018년 미네소타 대학의 Visualization and Digital Imaging 연구소에 인접한 야외 공간에 설치한 작품에서 발전하고 있다. 가속도계(Accelerometer) 위에 건조된 하나의 줄기를 설치해 두었다가 바람이 불면서 가속도계가 움직임을 감지하면 이를 전시장에 설치돼 있는 기계장치 그룹에 전달하고 식물줄기는 외풍의 움직임에 따라 실시간으로 움직인다. 이 시스템은 동적 및 유동적 환경 조건인 물리적 표현을 실시간으로 중계하고 이를 감각적인 예술 작품으로 승화시킨다. David Bowen is an artist from the United States and he creates works using device elements that primarily respond to real data from natural phenomena. He uses robotics, custom software, sensors, telepresence, and data to construct devices and situations that work with interfaces with the physical and virtual worlds and creates high-quality works that blend nature, mechanical engineering, and aesthetics. <Tele-present wind> shows the stems of 126 tilting mechanical devices with thin and long plant stems moving in the same motion by the wind. The work begins with one that was set up in an outdoor space adjacent to the University of Minnesota’s Visualization and Digital Imaging Institute in 2018. David set up a single dried stem on the accelerometer, and when the accelerometer detected movement as the wind blows、 it is passed on to a group of mechanical devices installed in the exhibition space, and then the stems moved in real time according to the movement of the outside wind. He also monitors and collects real-time data at remote and remote locations, and the system relays physical representation, the dynamic and fluid environmental conditions, in real time, sublimating it into artwork.Maotik 마오틱 (FR) <Tele-present wind>126 dried plant stalks with mechanical devices, dimension variable, 2018デイヴィッド·ボウエンはアメリカ出身のアーティストで, 주로 자연현상의 실제 데이터에 따라 반응하는 장치적인 요소를 사용해 작품을 만들어내는 설치 아티스트다. 로봇공학, custom software, 센서, telepresence(원격인식시스템), 데이터로 물리적 세계와 가상 세계와의 인터페이스에 맞춰 움직이는 장치와 상황을 구성해 자연, 기계공학, 미학이 한 자리에 모인 완성도 높은 작품을 만들어낸다. <Tele-present wind>는 그룹핑된 126개의 틸팅 기계장치에 얇고 긴 식물의 줄기를 장착시켜 줄기가 바람에 의해 움직이는 모습을 나타낸다. 이 작품은 2018년 미네소타 대학의 Visualization and Digital Imaging 연구소에 인접한 야외 공간에 설치한 작품에서 발전하고 있다. 가속도계(Accelerometer) 위에 건조된 하나의 줄기를 설치해 두었다가 바람이 불면서 가속도계가 움직임을 감지하면 이를 전시장에 설치돼 있는 기계장치 그룹에 전달하고 식물줄기는 외풍의 움직임에 따라 실시간으로 움직인다. 이 시스템은 동적 및 유동적 환경 조건인 물리적 표현을 실시간으로 중계하고 이를 감각적인 예술 작품으로 승화시킨다. David Bowen is an artist from the United States and he creates works using device elements that primarily respond to real data from natural phenomena. He uses robotics, custom software, sensors, telepresence, and data to construct devices and situations that work with interfaces with the physical and virtual worlds and creates high-quality works that blend nature, mechanical engineering, and aesthetics. <Tele-present wind> shows the stems of 126 tilting mechanical devices with thin and long plant stems moving in the same motion by the wind
박정호 Jeong Ho PARK(KR) 박정호 Jeong Ho PARK(KR)
〈Ghost Island: Innervision〉 VR Installation Ghost Island는 두 아티스트 Meuko! Meuko!와 NAXS의 콜라보레이션 작품이다. 대만출신의 Meuko! 미코!는 2018년 그녀의 호평을 받은 앨범 ‘고스트 아일랜드(Ghost Island)’를 발매했는데, 이 앨범은 불안한 젊은 세대들이 흔히 그들의 도시를 부른다는 것을 보여주는 제목이다. 이 앨범의 음악적 파노라마로 디스토피안적이고 압축된 정력적인 음악에 이어 미디어 아트 그룹인 NAXS는 버려진 조각상, 부유하는 폐허, 유견, 상형문자가 유령이 되는 밀도가 있어 환상적인 VR 환경을 만들어냈다. NAXS와 Meuko! Meuko!는 가상세계 섬의 조용하고 습한 분위기를 전달하려고 노력하면서 폐쇄적으로 변해버린 길목과 사원, 그리고 Meuko! Meuko!의 어린 시절 고향을 3D 스캔해 영상으로 나타냈다. 반유토피아적 폐허와 사이버적 몽상을 VR 영상을 통해 환상이나 우화가 아닌 우리 모두가 살고 있는 신화적 포스트 디지털 현실이라는 것을 발견하게 될 것이다. The controversial term Ghost Island hints at anger and emotional alienation, reflecting the artists’ insecurity and inability when confronting their survival structure. In the meantime, this work captures the possibility to become primitive, wandering and transcendent, and floats on the border between myth and reality from a viewpoint of a wandering spirit. Using the senses of beasts to travel through the post-utopia ruins constructed by desires and technologies, the artists seek for and imagines the cyber-consciousness intertwined evolved from “beasts-human-divinity. ” They also attempt to transform “Ghost Island” into a sci-fi intertwined evolved from “beasts-human-divinity.” They also attempt to transform “Ghost Island” into a sci-fi fable for contemporary post-Internet society.Innervision is the VR installation version of the Ghost Island series, which integrates dream writing, soundscape collecting, 3D scanning technology, electronic noise and digital sculpture. The artists attempt to convert chaotic urban street views and information space into a virtual landscape in the Realtime 3D Engine. The Ghost Island series spans a variety of time and space, including music albums, audio-visual performance, virtual reality installation, and online experiences to create possibilities of experiences beyond the geographical framework.Sabrina Ratte 사브리나 떼 (CA/FR) <Ghost Island: Innervision> VR Installation Ghost Island는 두 아티스트 Meuko! Meuko!와 NAXS의 콜라보레이션 작품이다. 대만출신의 Meuko! 미코!는 2018년 그녀의 호평을 받은 앨범 ‘고스트 아일랜드(Ghost Island)’를 발매했는데, 이 앨범은 불안한 젊은 세대들이 흔히 그들의 도시를 부른다는 것을 보여주는 제목이다. 이 앨범의 음악적 파노라마로 디스토피안적이고 압축된 정력적인 음악에 이어 미디어 아트 그룹인 NAXS는 버려진 조각상, 부유하는 폐허, 유견, 상형문자가 유령이 되는 밀도가 있어 환상적인 VR 환경을 만들어냈다. NAXS와 Meuko! Meuko!는 가상세계 섬의 조용하고 습한 분위기를 전달하려고 노력하면서 폐쇄적으로 변해버린 길목과 사원, 그리고 Meuko! Meuko!의 어린 시절 고향을 3D 스캔해 영상으로 나타냈다. 반유토피아적 폐허와 사이버적 몽상을 VR 영상을 통해 환상이나 우화가 아닌 우리 모두가 살고 있는 신화적 포스트 디지털 현실이라는 것을 발견하게 될 것이다. The controversial term Ghost Island hints at anger and emotional alienation, reflecting the artists’ insecurity and inability when confronting their survival structure. In the meantime, this work captures the possibility to become primitive, wandering and transcendent, and floats on the border between myth and reality from a viewpoint of a wandering spirit. Using the senses of beasts to travel through the post-utopia ruins constructed by desires and technologies, the artists seek for and imagines the cyber-consciousness intertwined evolved from “beasts-human-divinity. ” They also attempt to transform “Ghost Island” into a sci-fi
<Radiance III, IV, V, VI, > 4Print, 4High-resolution videos, 3min loop for each video, 2018 사브리나 라떼는 파리를 기반으로 활동하는 캐나다 출신 예술가로, 비디오·애니메이션·설치·조각·오디오 비주얼·퍼포먼스 등 다양한 미디엄을 폭넓게 사용한다. 그의 작품은 가상 영역과 물리 영역 사이의 미세한 경계를 넘어 건축적인 요소와 초현실적인 배경의 창작에 초점을 맞춘다. 또한 작가는 *rhizomatic(리조무형) 프로세스를 사용하여 마치 식물의 뿌리가 뻗어나가는 듯한 형태변환의 공정을 영상을 통해 보여주며, 작가 고유의 컬러 팔레트에 글리치와 플라즈마 효과를 더해 관람객을 몰입시킨다. 〈Radiance series〉는 3D 애니메이션, 여러 영상의 조합, 그리고 디지털 매니퓰레이션을 통해 물감이 칠해진 듯한 질감과 유기적인 형태가 드러나는 추상적인 풍경을 연출하며 프린트 작업과 4개의 영상을 함께 선보인다. 작가는 자신이 실현하는 다소 모호해 보이는 증강현실을 통해 관람객들에게 명확한 답을 향해 억지로 나아가려 하기보다는 무분별하고 방대한 현실 세계에서 제한된 경험을 바탕으로 긴장감 속에서 자신의 존재를 음미해 보기를 바란다고 전한다. Sabrina Ratte is a Canadian artist based in Paris who uses a wide range of mediums, including video, animation, installation, sculpture, audio visuals and performances. Her work focuses on the creation of architectural elements and surreal backgrounds beyond the fine boundaries between virtual and physical domains. In addition、 she uses the *rhizomatic process to show the process of shape transformation as if the roots of a plant are stretched out through the video, adding glitch and plasma effects to the author’s unique color palette to immerse the audience.The work “Radiance Series” presents an abstract scene in which 3D animation, combinations of images, and digital manipulation show paint-painted textures and organic forms, as well as print work and four looped together. She hopes to savor her presence in tension based on her limited experience in the indiscriminate and vast real world, rather than force her to move toward a clear answer through the somewhat vague augmented reality she realizes. She hopes that through the seemingly vague augmented reality she creates, visitors are able to notice their presence in tension based on limited experience in the indiscriminate and vast real world, rather than trying to force their way toward a clear answer.Hideo Iwasaki 히데오이와사키 (JP) <Radiance III、IV、V、VI、>4Print、4High-resolution videos, 3min loop for each video, 2018 사브리나 라떼는 파리를 기반으로 활동하는 캐나다 출신 예술가로 비디오·애니메이션·설치·조각·오디오비주얼·퍼포먼스 등 다양한 미디엄을 폭넓게 사용한다. 그의 작품은 가상 영역과 물리 영역 사이의 미세한 경계를 넘어 건축적인 요소와 초현실적인 배경의 창작에 초점을 맞춘다. 또한 작가는 *rhizomatic(리조무형) 프로세스를 사용하여 마치 식물의 뿌리가 뻗어나가는 듯한 형태변환의 공정을 영상을 통해 보여주며, 작가 고유의 컬러 팔레트에 글리치와 플라즈마 효과를 더해 관람객을 몰입시킨다. 〈Radiance series〉는 3D 애니메이션, 여러 영상의 조합, 그리고 디지털 매니퓰레이션을 통해 물감이 칠해진 듯한 질감과 유기적인 형태가 드러나는 추상적인 풍경을 연출하며 프린트 작업과 4개의 영상을 함께 선보인다. 작가는 자신이 실현하는 다소 모호해 보이는 증강현실을 통해 관람객들에게 명확한 답을 향해 억지로 나아가려 하기보다는 무분별하고 방대한 현실 세계에서 제한된 경험을 바탕으로 긴장감 속에서 자신의 존재를 음미해 보기를 바란다고 전한다. Sabrina Ratte is a Canadian artist based in Paris who uses a wide range of mediums, including video, animation, installation, sculpture, audio visuals and performances. Her work focuses on the creation of architectural elements and surreal backgrounds beyond the fine boundaries between virtual and physical domains. In addition、 she uses the *rhizomatic process to show the process of shape transformation as if the roots of a plant are stretched out through the video, adding glitch and plasma effects to the author’s unique color palette to immerse the audience.The work “Radiance Series” p
<Anger & Hope> 2 acryl boxes, wooded box, hazemachines, 60 x 60 x 180 cm, 2019 기욤 마망은 프랑스 출신의 아티스트로 이미지와 소리, 리듬, 콘트라스트, 그리고 움직이는 모션 사이의 새로운 공감각적인 형태의 작업을 추구한다. 기욤 마망의 작품은 전통적인 스크린에서 벗어나 3D 조각과 건물에 대한 지도 제작, 사진 및 스크린 프린팅에 대한 투영, 인간 육체의 움직임, 그리고 스모그 등 모든 종류의 미디엄을 실험적으로 사용하며 건축가, 뮤지션, 조명 디자이너 등과 협업으로 작품을 만들기도 한다. 작품 〈Anger & Hope〉는 서로 대조적인 의미를 지닌 ‘분노와 희망’이 빠져나간 판도라의 상자를 상징하며, 이것이 우리 시대에 지속적으로 머물러 있음을 칭하는 작품이다. 이 작품의 목적은 광속을 통해 3차원으로 제공되는 음향 주파수에 물리적 형태를 부여하는 것으로, 빛의 라인이 이동하고 영상과 소리가 하나의 매체로 합쳐져 마치 투사된 빛의 음영이 실제 살아있고 실재하는 것처럼 보이는 것을 의도했다. Guillaume Marmin is an artist from France who pursues new synesthetic forms of work between images and sounds, rhythms, contrast and moving motion. His works experimentally use all kinds of mediums, such as mapping 3D sculptures and buildings, projection of photography and screen printing, movement of human flesh, and smog, and also create works through collaboration with architects, musicians and lighting designers.”Anger & Hope” symbolizes Pandora’s Box of escapees with contrasting meanings and refers to the fact that it continues to hover in our time. The purpose of this work was to give physical form to sound frequencies provided in three dimensions through light speed, so that the lines of light move, the images and sounds merge into one medium, and it was as if the projected shadows of light were actually alive and real.Concept & design: Guillaume MARMIN <Anger & Hope>2 acryl boxes, wooded box, hazemachines, 60 x 60 x 180 cm, 2019 기욤 마망은 프랑스 출신의 아티스트로 이미지와 소리, 리듬, 콘트라스트, 그리고 움직이는 모션 사이의 새로운 공감각적인 형태의 작업을 추구한다. 기욤 마망의 작품은 전통적인 스크린에서 벗어나 3D 조각과 건물에 대한 지도 제작, 사진 및 스크린 프린팅에 대한 투영, 인간 육체의 움직임, 그리고 스모그 등 모든 종류의 미디엄을 실험적으로 사용하며 건축가, 뮤지션, 조명 디자이너 등과 협업으로 작품을 만들기도 한다. 작품 〈Anger & Hope〉는 서로 대조적인 의미를 지닌 ‘분노와 희망’이 빠져나간 판도라의 상자를 상징하며, 이것이 우리 시대에 지속적으로 머물러 있음을 칭하는 작품이다. 이 작품의 목적은 광속을 통해 3차원으로 제공되는 음향 주파수에 물리적 형태를 부여하는 것으로, 빛의 라인이 이동하고 영상과 소리가 하나의 매체로 합쳐져 마치 투사된 빛의 음영이 실제 살아있고 실재하는 것처럼 보이는 것을 의도했다. Guillaume Marmin is an artist from France who pursues new synesthetic forms of work between images and sounds, rhythms, contrast and moving motion. His works experimentally use all kinds of mediums, such as mapping 3D sculptures and buildings, projection of photography and screen printing, movement of human flesh, and smog, and also create works through collaboration with architects, musicians and lighting designers.”Anger & Hope” symbolizes Pandora’s Box of escapees with contrasting meanings and refers to the fact that it continues to hover in our time. The purpose of this work was to give physical form to sound frequencies provided in three dimensions through light speed, so that the lines of light move, the images and sounds merge into one medium, and it was as if the projected shadows of light were actually alive and real.Concept & design: Guillaume MARMIN
음악 : Philippe Gordian 프로듀싱 : MOTION MOTION, STEREOLUX, YAMNOVI-SAD 음악 : Philippe Gordian 프로듀싱 : MOTION, STEREOLUX, YAMNOVI-SAD
Novi_sad(본명 Thanasis Kaproulias)는 그리스 올림피아에 거주하며 일하는 사운드 아트 기반의 미디어 아티스트입니다. 피레우스 대학에서 경제학을 전공한 그는 2005년부터 순수하게 실천에 의한 학습(learning by doing)으로서 창작을 계속해 왔습니다. 아이작 니몬드와 협업한 IIC – International Catastrophes는 아이슬란드에서 캡처한 오디오와 필름 자료가 수공예 기법을 통해 오디오 비주얼 신기루로 변형된 프로젝트입니다. 이 프로젝트에서 그들은 내면의 감각을 촉발하고 신화적인 크레센도, 슬로우 모션 섬망, 압도적인 시각적 에너지를 기반으로 하는 희귀한 문화적 과시의 진화와 발전을 밀도 있고 심오한 Optico-Sonic 프레임워크로 개발합니다. 하이퍼뷰티, 우아함: 그리고 물론 긴장됩니다. IIC는 ‘해석’을 ‘보다/듣다’보다는 ‘센싱의 경험’으로 변형합니다. 심각한 공감각 반응을 유발할 수 있는 계층화된 과장을 강조하여 불협화음을 조성합니다. 완전히 독특한 역동성과 결합된 IIC는 기하학적 구성과 사운드 및 시각적 부분 접근에 있어 넘치는 몰입감과 충격적인 익스트림을 경험하게 합니다. IIC is a handcrafted project by Novi_sad + Isaac Niemand. The Audio + Film material had been captured in Iceland and it was transformed to Audio-Visual mirages. In this project, they develop a visceral, dense and profound Optico-Sonic framework、 through which they are triggering the inner senses and enhancing the evolution/development of a rare cultural ostentation, built on mythical crescendos, slow motion deliriums, overwhelming visual energy, hyper-beauty, elegance; and of course, tension. IIC transforms interpretation into experience, one that the audience is sensing rather than viewing/listening, one that makes them sweat rather than look/hear. IIC fosters dissonant elements, tempered by emphasis on layered exaggerations, which are capable of causing acutely synaesthetic reactions. Multi-layered epic abstract soundscapes, delighted with elegiac optical nuances and the profound sequential exploration of the notion of the terms ”collapse-rebuild-isolate-take off···” and so on, are the core, generative and fundamental force of this project. Amalgamated with entirely unique dynamics, IIC is immersive, outrageous and extreme in its approach on the geometrical construction and demonstration of the composed sounds and visual parts.credits Novi_sad(本名Thanasis Kaproulias)はギリシャのオリンピアに住み、働くサウンドアートベースのメディアアーティストです. 피레우스 대학에서 경제학을 전공한 그는 2005년부터 순수하게 실천에 의한 학습(learning by doing)으로서 창작을 계속해 왔습니다. 아이작 니몬드와 협업한 IIC – International Catastrophes는 아이슬란드에서 캡처한 오디오와 필름 자료가 수공예 기법을 통해 오디오 비주얼 신기루로 변형된 프로젝트입니다. 이 프로젝트에서 그들은 내면의 감각을 촉발하고 신화적인 크레센도, 슬로우 모션 섬망, 압도적인 시각적 에너지를 기반으로 하는 희귀한 문화적 과시의 진화와 발전을 밀도 있고 심오한 Optico-Sonic 프레임워크로 개발합니다. 하이퍼뷰티, 우아함: 그리고 물론 긴장됩니다. IIC는 ‘해석’을 ‘보다/듣다’보다는 ‘센싱의 경험’으로 변형합니다. 심각한 공감각 반응을 유발할 수 있는 계층화된 과장을 강조하여 불협화음을 조성합니다. 완전히 독특한 역동성과 결합된 IIC는 기하학적 구성과 사운드 및 시각적 부분 접근에 있어 넘치는 몰입감과 충격적인 익스트림을 경험하게 합니다. IIC is a handcrafted project by Novi_sad + Isaac Niemand. The Audio + Film material had been captured in Iceland and it was transformed to Audio-Visual mirages. In this project, they develop a visceral, dense and profound Optico-Sonic framework、 through which they are triggering the inner senses and enhancing the evolution/development of a rare cultural ostentation, built on mythical crescendos, slow motion deliriums, overwhelming visual energy, hyper-beauty, elegance; and of course, tension. IIC transforms interpretation into experience, one that the audience is sensing rather than viewing/listening, one that make
• 아이슬란드제입니다. • 감독 : Novi_sad • 촬영 + 촬영 : Isaac Niemand • 편집 : Novi_sad + Isaac Niemand • 음악 : Novi_sad • 아이슬란드제입니다. • 감독 : Novi_sad • 촬영 + 촬영 : Isaac Niemand • 편집 : Novi_sad + Isaac Niemand • 음악 : Novi_sad
코딩— Guillaume Turgeon과 Hugost-onge의 비주얼과 사운드— Daniel Ireguicoordination— Marilyne Lacomb Cureator— 이 프로젝트를 주최하는 Maison de la Culture는 몬트리올 자치구 문화 아웃리치 프로그램에 의해 지원되고 있습니다. 코딩— Guillaume Turgeon과 Hugost-onge의 비주얼과 사운드— Daniel Ireguicoordination— Marilyne Lacomb Cureator— 이 프로젝트를 주최하는 Maison de la Culture는 몬트리올 자치구 문화 아웃리치 프로그램에 의해 지원되고 있습니다.
PRECTXE 2020 Artists 1001 오디세이 라인업입니다 PRECTXE 2020 Artists 1001 오디세이 라인업입니다
애니멀 다이버즈(KR) 애니멀 다이버즈는 국내 최초 일렉트로닉 월드 뮤직 밴드로 일렉트로닉 사운드 위에 디잘리두, 핸드팬과 일렉기타의 조합으로 어우러진 역동적인 환상감을 선사한다. 또한 다양한 아이디어와 연주력을 통해 악기의 특성상 불가능에 가깝다고 생각했던 음악적인 전개방식을 현대적인 앙상블로 구현한다. 애니멀 다이버즈(KR) 애니멀 다이버즈는 국내 최초 일렉트로닉 월드 뮤직 밴드로 일렉트로닉 사운드 위에 디잘리두, 핸드팬과 일렉기타의 조합으로 어우러진 역동적인 환상감을 선사한다. 또한 다양한 아이디어와 연주력을 통해 악기의 특성상 불가능에 가깝다고 생각했던 음악적인 전개방식을 현대적인 앙상블로 구현한다.
아텍스테(KR) ARTEXTE 전자음악 뮤지션 신혜진과 클로드의 협업 프로젝트 아텍스테는 철저하게 계획되지 않은 라이브 및 인터랙티브 아트를 중심으로 작업을 진행한다. 이들은 왓엠(watmm), 모듈라서울, 위사(WeSA) 등에서 호흡을 맞추며 한국 사운드와 비주얼 아트 장면으로 꾸준한 활동을 이어가고 있다. 아텍스테는 단순한 깊이나 거리 지각, 입체적인 공간 구현뿐만 아니라 다차원에서의 소리와 시각 요소를 상상하고 그를 표현하는 데 주로 관심을 갖고 프로젝트를 시작한다. 아텍스테(KR) ARTEXTE 전자음악 뮤지션 신혜진과 클로드의 협업 프로젝트 아텍스테는 철저하게 계획되지 않은 라이브 및 인터랙티브 아트를 중심으로 작업을 진행한다. 이들은 왓엠(watmm), 모듈라서울, 위사(WeSA) 등에서 호흡을 맞추며 한국 사운드와 비주얼 아트 장면으로 꾸준한 활동을 이어가고 있다. 아텍스테는 단순한 깊이나 거리 지각, 입체적인 공간 구현뿐만 아니라 다차원에서의 소리와 시각 요소를 상상하고 그를 표현하는 데 주로 관심을 갖고 프로젝트를 시작한다.
코리아(KR) COR3A 코리아는 전자음악을 기반으로 활동하던 프로큰제로 권현우, 해오(HEO) 허준혁, WYM 변준형이 모여 결성한 미디어 아트 그룹이다. 코딩에서 사용하는 개념인 알고리즘과 일렉트로닉 문화의 레이브를 결합한 알고 레이브 사운드를 추구하며, 예술성과 대중성을 결합해 더 많은 대중에게 다양한 예술의 모습을 보여주고자 한다. 코리아(KR) COR3A 코리아는 전자음악을 기반으로 활동하던 프로큰제로 권현우, 해오(HEO) 허준혁, WYM 변준형이 모여 결성한 미디어 아트 그룹이다. 코딩에서 사용하는 개념인 알고리즘과 일렉트로닉 문화의 레이브를 결합한 알고 레이브 사운드를 추구하며, 예술성과 대중성을 결합해 더 많은 대중에게 다양한 예술의 모습을 보여주고자 한다.
데이킴(KR), 데이킴, 김대희(DeyKim)는 즉흥적인 작곡가, 사운드 아티스트다. 라이브 일렉트로닉스, 일렉트로닉 어쿠스틱, 프리 뮤직 같은 예술 음악을 하고 있다. 주로 전자기기(아날로그 모듈러 신스), 컴퓨터(max/msp, live), 호흡(목소리, 파촐트 콘트라베이스 레코더)을 악기로 사용해 작업하며 다수의 음악회에 작품을 발표하고 있다. 일렉트로 어쿠스틱 즉흥 음악 트리오 ‘Saaam Kiiim’의 멤버로도 활동하고 있다. 음악의 다양성을 사회 내에서 구축하기 위한 노력의 일환으로 모듈라서울과 울산신음악회 시리즈를 각각 2017년, 2019년부터 2개 도시에서 기획하고 있다. 또한 미생물처럼 단순한 형태의 생명체와 인간의 인터페이스에서 일어나는 일을 소통을 중심으로 탐구하고 있다. 데이킴(KR), 데이킴, 김대희(DeyKim)는 즉흥적인 작곡가, 사운드 아티스트다. 라이브 일렉트로닉스, 일렉트로닉 어쿠스틱, 프리 뮤직 같은 예술 음악을 하고 있다. 주로 전자기기(아날로그 모듈러 신스), 컴퓨터(max/msp, live), 호흡(목소리, 파촐트 콘트라베이스 레코더)을 악기로 사용해 작업하며 다수의 음악회에 작품을 발표하고 있다. 일렉트로 어쿠스틱 즉흥 음악 트리오 ‘Saaam Kiiim’의 멤버로도 활동하고 있다. 음악의 다양성을 사회 내에서 구축하기 위한 노력의 일환으로 모듈라서울과 울산신음악회 시리즈를 각각 2017년, 2019년부터 2개 도시에서 기획하고 있다. 또한 미생물처럼 단순한 형태의 생명체와 인간의 인터페이스에서 일어나는 일을 소통을 중심으로 탐구하고 있다.
노브컴파일(KR) KNOV COMPILE 노브컴파일은 소리와 시각적 요소를 디지털 환경을 통해 조합한다. 그리고 이를 물질적 공간으로 확장하는 여러 가지 방법을 연구한다. 공간에 시각, 청각적 요소를 부여해 공간적 움직임을 만들어내고 추상적 구조를 조직하는 작업을 바탕으로 깊은 몰입감을 이끌어내며 입체적인 경험을 가능하게 한다. 노브컴파일(KR) KNOV COMPILE 노브컴파일은 소리와 시각적 요소를 디지털 환경을 통해 조합한다. 그리고 이를 물질적 공간으로 확장하는 여러 가지 방법을 연구한다. 공간에 시각, 청각적 요소를 부여해 공간적 움직임을 만들어내고 추상적 구조를 조직하는 작업을 바탕으로 깊은 몰입감을 이끌어내며 입체적인 경험을 가능하게 한다.
웁스. 50656 (KR) oOps. 50656oOps. 50656은 비주얼 아티스트 황선정과 사운드 아티스트 문규철로 구성된 오디오 비주얼 팀이다. 기술적 시도와 함께 동시대 휴머니티 그리고 사운드의 미적 가능성을 퍼포먼스 형태로 확장하기 위해 결성했다. 웁스. 50656 (KR) oOps. 50656oOps. 50656은 비주얼 아티스트 황선정과 사운드 아티스트 문규철로 구성된 오디오 비주얼 팀이다. 기술적 시도와 함께 동시대 휴머니티 그리고 사운드의 미적 가능성을 퍼포먼스 형태로 확장하기 위해 결성했다.
사운드루시(KR) Soundlucy 전자공학을 전공한 아티스트 Soundlucy는 작곡한 음악과 시각 자료를 통해 관객들에게 감정을 전달하고자 한다. 사운드 루시의 작품은 청각과 시각이 서로 교차하며 현재와 과거라는 시간을 넘나들며 추억을 극대화시킨다. 작가는 작품을 통해 관객에게 청각과 시각 매체가 활발하게 상호작용할 수 있는 시간을 가질 수 있는 장을 만든다. Woochi(KR) 내(Woochi)는 감성 전자음악 작곡가다. 실험적인 사운드를 활용한 앰비언트 기반의 음악을 만들어 전자음악, 미디어음악, 사운드아트, 멀티미디어 공연 등 다양한 분야에서 활동하고 있다. 앨범 ‘CLOUDY’는 OST 개념으로 구성되어 있다. 제목과 음악만 듣고 청자가 각자 상상을 통해 감상할 수 있도록 했다. 사운드루시(KR) Soundlucy 전자공학을 전공한 아티스트 Soundlucy는 작곡한 음악과 시각 자료를 통해 관객들에게 감정을 전달하고자 한다. 사운드 루시의 작품은 청각과 시각이 서로 교차하며 현재와 과거라는 시간을 넘나들며 추억을 극대화시킨다. 작가는 작품을 통해 관객에게 청각과 시각 매체가 활발하게 상호작용할 수 있는 시간을 가질 수 있는 장을 만든다. Woochi(KR) 내(Woochi)는 감성 전자음악 작곡가다. 실험적인 사운드를 활용한 앰비언트 기반의 음악을 만들어 전자음악, 미디어음악, 사운드아트, 멀티미디어 공연 등 다양한 분야에서 활동하고 있다. 앨범 ‘CLOUDY’는 OST 개념으로 구성되어 있다. 제목과 음악만 듣고 청자가 각자 상상을 통해 감상할 수 있도록 했다.
RSBA팀 RSBA(2021)는 베를린 기반 테크노 뮤지션이자 비주얼 아티스트 Red Pig Flower(다미 김 Damee Kim), 시카고 출신 미디어 아티스트 요한(Han Yohan)과 연출가 박서회(Seohoi Park)로 구성된 프로젝트 팀이다. 한국 태생의 독일 작곡가 윤이상의 음악에 영감을 받아 독일과 한국에서 순차적으로 공연되는 복합 미디어 전시 ‘Rose of Sharon Bloom Again(2021)’의 일환으로 그의 대표곡을 테크노와 사운드스케이프로 재해석하는 작업을 선보인다. RSBA팀 RSBA(2021)는 베를린 기반 테크노 뮤지션이자 비주얼 아티스트 Red Pig Flower(다미 김 Damee Kim), 시카고 출신 미디어 아티스트 요한(Han Yohan)과 연출가 박서회(Seohoi Park)로 구성된 프로젝트 팀이다. 한국 태생의 독일 작곡가 윤이상의 음악에 영감을 받아 독일과 한국에서 순차적으로 공연되는 복합 미디어 전시 ‘Rose of Sharon Bloom Again(2021)’의 일환으로 그의 대표곡을 테크노와 사운드스케이프로 재해석하는 작업을 선보인다.
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부천아트뱅커 | B39 | PRECTXE(@b39.space)• Instagram 사진 및 동영상 팔로워 2,787명, 팔로잉 49명, 게시물 482개 – 부천아트벙커 | B39 | PRECTXE(@b39.space)님의 인스타그램 사진 및 동영상보기 www.instagram.com 부천아트벙커 | B39 | PRECTXE(@b39.space)• Instagram 사진 및 동영상 팔로워 2,787명, 팔로잉 49명, 게시물 482개 – 부천아트벙커 | B39 | PRECTXE(@b39.space)님의 인스타그램 사진 및 동영상보기 www.instagram.com
B39.space B39.space 경기도 부천. 좋아하는 사람 1,138명·말하는 사람들 60명. 공연/카페 10:00 – 22:00 (*매주 월요일은 B39 휴관일이며, B39 Cafe & Resto는 월·화요일 휴무입니다.) 지정일 휴무 www.facebook.com B39.space B39.space 경기도 부천. 좋아하는 사람 1,138명·말하는 사람들 60명. 공연/카페 10:00 – 22:00 (*매주 월요일은 B39 휴관일이며, B39 Cafe & Resto는 월·화요일 휴무입니다.) 지정일 휴무 www.facebook.com
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